Schermi interattivi

Book: Intermedialita'. Videogiochi, cinema, televisione, fumetti

Siamo orgogliosi di annunciare un nuovo volume della collana editoriale Ludologica. Game Theory che sara' pubblicato in estate dalle Edizioni Unicopli.

Di seguito la descrizione dettagliata:

Questo lavoro collettivo esplora, a vari livelli, la relazione che sussiste tra i videogiochi e altri media, in particolare cinema, televisione e fumetti. Al pari di concetti quali ”rimediazione”, “cross-medialità“ e “trans-medialità“, in questo contesto “intermedialità“ si riferisce tanto alle dinamiche produttive, quanto ai testi e alle pratiche di consumo. Così formulato, il concetto di intermedialità si colloca all’intersezione tra produzione e fruizione, tra esigenze commerciali ed ambizioni artistiche. L’intermedialità è dunque concepita come un “terzo luogo” in cui realtà mediali differenti convergono e, al tempo stesso, vengono ridefinite dal videogame.

L’aspetto che accomuna i differenti contributi è il desiderio di vedere finalmente riconosciuto il ludus digitale per quello che è – un medium dotato di un proprio statuto, autonomia e peculiarità – attraverso il confronto diretto con altre espressioni artistiche e culturali. L’ambizione degli autori è offrire una possibile soluzione a un problema sempre più diffuso: la proliferazione di approcci ingenui che confondono le strategie di marketing per rivoluzionarie prassi di produzione culturale. Ai manifesti programmatici, agli slogan e alle liste numerate preferiamo proporre analisi di casi di studio. Anziché inseguire la chimera della Grande Teoria del Tutto – seducente sulla carta, inconcludente alla prova dei fatti – preferiamo esaminare alcuni fenomeni, generi e testi.

Questo lavoro rappresenta il punto di arrivo di una riflessione che ha impegnato – e impegna – ricercatori di varie scuole e formazione, distribuiti tra l’Italia, gli Stati Uniti, il Canada e il Regno Unito. Nonostante (o forse, grazie al)la diversità di approcci e metodi, il lettore attento sarà in grado di scorgere un pensiero comune, o, quanto meno, un obiettivo condiviso: portare in primo piano la idiosincrasie del videogame e rifiutare l’assimilazione forzata ad altre forme espressive. Intermedialità. Videogiochi, cinema, televisione, fumetti si rivolge a un pubblico eterogeneo, interessato all’estetica dei media come al game design, alla teoria del cinema e della televisione. Il volume include saggi inediti di autori internazionali, tra cui Thiery Adam, Luca Ballico, Matteo Bittanti, Diane Carr, Chris Cooling, Mario Gerosa, Matt Kimmlich, Robert J. Hand, Michael Nietsche e Laurie Taylor.

Restate sintonizzati su queste pagine per ulteriori dettagli e informazioni.

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Saggio: Parallelismi, la durata nei videogiochi (Mario Morandi)

Se per il cinema il concetto di durata è ben definito e compare nella scheda tecnica di ogni titolo, nel videogame risulta influenzato da molteplici variabili. Ci occuperemo pertanto di analizzare brevemente le analogie e i punti di contatto di tale fattore all'interno dei diversi tipi di medium.

di Mario Morandi

1. Il concetto di durata nel cinema e nelle serie televisive

 Oggi la durata dei film viene convenzionalmente misurata in minuti, anche se nel linguaggio tecnico cinematografico notiamo che la lunghezza di un film è definita "metraggio", termine che deriva dal supporto fisico della pellicola. Vengono definiti “cortometraggi” i film che durano dai 15 ai 20 minuti, i “mediometraggi” durano invece dai 50 ai 70 minuti, mentre i “lungometraggi” superano i 70 minuti. In media una pellicola standard dura tra i 90 e i 100 minuti, ma solitamente le maggiori produzioni cinematografiche si aggirano sui 120 minuti ed oltre.

Siccome il cinema prevede uno sviluppo temporale continuo e senza interruzioni, esiste una percezione ben definita della lunghezza di un film, sia da parte dei realizzatori che da parte del pubblico. Un film di 180 minuti (3 ore) è considerato "molto lungo"; un film di 70 minuti è forse "troppo breve". In base alle preferenze del pubblico e alle esigenze di mercato il cinema ha definito i suoi standard di durata, soprattutto tenendo presente la modalità di fruizione in sala.

Diverso è il discorso per le serie a episodi: la modalità di fruizione avviene attraverso lo schermo televisivo, dove vengono trasmesse le varie puntate a cadenza regolare. Di norma una puntata di un serial dura 30 o 60 minuti, ma la durata complessiva della produzione è molto variabile e dipende dal numero di episodi da cui è composta.

Il concetto di serialità riguarda da vicino anche il cinema: si assiste sempre più spesso alla realizzazione di seguiti di un franchise di successo (es: Spider-Man [Sam Raimi, 2002]), e non di rado anche a progetti cinematografici divisi in capitoli (es: Kill Bill vol. 1 e 2 [Quentin Tarantino, 2003]).

Si osservi che in genere, sia per quanto riguarda il cinema che le puntate delle serie a episodi, le produzioni di minore durata creano terreno fertile per un intrattenimento meno impegnato rispetto a quelle di durata maggiore, spesso indirizzate a un pubblico più adulto ed esigente.

Il concetto di serialità rientra però in un'ottica comunemente definita "commerciale", ed è assai poco rintracciabile in produzioni cinematografiche riconosciute a pieno titolo come opere d'arte.

Concludiamo questa parte ricordando al lettore che sia il cinema che le serie ad episodi raccontano necessariamente delle storie, il cui senso compiuto si manifesta al termine della visione completa di tali produzioni.

2. ll concetto di durata nel videogioco

Sul retro copertina di un videogioco non viene riportata una durata, nemmeno indicativa.

Questo perché il videogioco - rispetto al film - è fondamentalmente un'attività che, oltre a favorire una fruizione di tipo reiterabile, può variare nella durata a seconda di chi lo utilizza. Volendo approfondire meglio questa divergenza rispetto al medium cinematografico, basti pensare che il videogioco offre molteplici possibilità di risoluzione degli eventi mostrati sullo schermo. È oltretutto possibile non completare affatto una sequenza proposta, nel qual caso essa verrà affrontata da capo, fino alla riuscita da parte del giocatore, che ha ben presenti le categorie e le varie modalità di "vittoria" e "sconfitta". Il concetto informatico di "variabile" è avulso dal contesto televisivo e cinematografico, ed è determinante ai fini di comprendere al meglio la durata all'interno del videogioco.

Come per le produzioni cinematografiche e televisive, anche il videogame va osservato nelle sue differenti modalità di fruizione.

2.1 Arcade mode: il videogioco a gettoni e la reiterabilità

Per videogioco arcade intendiamo il videogioco delle origini, ideato per un tipo di intrattenimento occasionale e al di fuori delle pareti domestiche. Arcade machine è sinonimo di cabinato a gettoni, ma oggi, a seguito dell'inesorabile declino delle sale giochi, il "videogioco arcade" è divenuto sostanzialmente una filosofia videoludica legata al un tipo di azione intensa e di breve durata, dalle meccaniche solide, immediatamente identificabili e di norma assai poco riflessivo/narrativo. Il videogioco arcade produce una tipologia di intrattenimento che invita a reiterare più volte l'esperienza videoludica.

Pac-Man (Namco, 1980) di Toru Iwatani è composto da 255 livelli, ma un giocatore comune può superarne una decina circa durante una partita. Dopodiché gli viene offerta la possibilità di continuare a giocare, inserendo un nuovo gettone. Virtualmente, avendo dei crediti infiniti a disposizione è possibile terminare Pac-Man, ma non possiamo stabilire la durata complessiva poiché la durata varia in base all'abilità del giocatore.

E' preferibile stabilire la durata media di un livello (in questo caso un paio di minuti), oppure di una partita (che si conclude con l'esaurimento dei tre tentativi a disposizione).

Si potrebbe inoltre determinare quanto effettivamente l'utente passa del tempo a giocare a un dato titolo; nel caso del videogioco a gettoni questo tipo di durata è mediamente inferiore rispetto all'home entertainment.

Osserviamo che i titoli arcade, e nella fattispecie le produzioni per le sale giochi, possiedono di norma un tempo limite, che impedisce a un giocatore di occupare per troppo tempo la postazione di gioco integrandosi in modo naturale all'interno del game design.

Il gioco arcade assomiglia molto a uno sport elettronico, e pertanto i titoli sportivi sono da considerarsi molto vicini a questa tipologia di gioco se osservati dal punto di vista della durata e della modalità di fruizione.

2.2 Story mode: l'home entertainment e la continuità

Per home entertainment, termine generico che si adatterebbe a qualunque forma di intrattenimento multimediale entro le mura domestiche, intendiamo il videogioco concepito in modo specifico per la fruizione casalinga. Spesso legato alla narrazione e/o alla riflessione, l'home entertainment prevede un ambiente di gioco continuativo, in cui è possibile sospendere la partita per poi proseguirla in un secondo momento. I videogiochi "continuativi" che possono durare più a lungo sono generalmente titoli gestionali o videogiochi di ruolo, entrambi provvisti di meccaniche solitamente complesse e articolate.

Il videogioco moderno è però generalmente orientato verso il genere action-adventure, in cui si tenta molte volte di inscrivere l'esperienza arcade-reiterabile in un contesto continuativo e più esteso.

La durata complessiva media di un videogioco action-adventure standard corrisponde a una quindicina di ore. Tale tipologia videoludica è spesso legata a una narrazione (story-driven, plot-based; le conversioni da arcade verso gli home systems a volte presentano uno "story mode"), i cui "livelli" o "sequenze" potrebbero assomigliare alle puntate di un telefilm, che si concludono di volta in volta ad ogni nuovo punto di salvataggio (save point). Da notare che se il videogioco d'azione sviluppato per console predilige tale modalità di avanzamento, il videogioco concepito per PC tende a permettere di salvare la partita liberamente, svincolando il giocatore dal terminare un livello o una sequenza prima di terminare la sessione.

Diventa perciò cruciale osservare le modalità di progressione all'interno dell'esperienza videoludica per poter stabilire, almeno orientativamente, la durata di una sessione di gioco. Per quanto riguarda invece la durata complessiva, nel videogioco moderno viene spesso indicato un timer tra i vari dati visualizzabili nel menu di gioco, e questo ha una valenza puramente statistica, slegata dal gameplay, a differenza di quanto può accadere nel videogioco arcade. Osserviamo inoltre che il videogioco action-adventure spesso fornisce delle modalità supplementari di gioco oppure degli obiettivi secondari da raggiungere (non di rado sbloccabili al termine della modalità standard), al fine di prolungare la durata di utilizzo. L'elementare concetto di reiterabilità viene dunque rivisto e incorporato all'interno delle produzioni per l'home entertainment.

SimCity 2000 (Maxis, 1993) è un titolo gestionale virtualmente infinito. Il limite imposto è lo spazio del terreno su cui costruire la propria città, ed anche una volta utilizzato completamente è sempre possibile ricostruire a piacimento strade ed edifici, oppure semplicemente ricominciare a costruire una nuova città da zero. Esattamente come nei mondi virtuali permanenti, SimCity si basa su un approccio videoludico oggi battezzato con il termine di "sandbox", in cui il giocatore possiede un ampio margine di libero arbitrio sugli eventi di gioco, creandoli e disfacendoli a proprio piacimento.

In questo caso vale la pena tentare di stabilire una durata media di utilizzo giornaliero, oppure osservare a quanto potrebbe ammontare la durata di ore totali nel momento in cui il giocatore ritiene di aver terminato di costruire la propria città.

In linea di massima, il videogioco concepito per l'home entertainment si avvicina al concetto di (tele)film interattivo, pur differenziandosi in modo palese dall'esperienza cinematografica attraverso le proprie variabili dinamiche e interattive, che includono l'esplorazione spaziale dell'ambiente virtuale.

2.3 Il videogioco online e i mondi virtuali permanenti

Un discorso a parte, ma molto simile a quello che riguarda i titoli gestionali, va fatto per il videogioco online e nella fattispecie per i mondi virtuali permanenti. Sia World of Warcraft (Blizzard Ent., 2005) che Second Life sono delle realtà finzionali esistenti nel cyberspazio, e pertanto continuano a sussistere anche mentre l'avatar del giocatore non si trova all'interno di esse. La durata della connessione può essere estremamente variabile, così come la durata delle attività da svolgere all'interno del gioco. Entrambi i titoli citati non hanno un termine, né una risoluzione finale; esistono invece numerose attività da iniziare e portare a termine.

Esattamente come per i gestionali, l'utente può scegliere liberamente di abbandonare definitivamente l'attività virtuale, ma ciò non comporta alcun "finale" così come viene inteso nel cinema e nel videogioco standard (che condividono alcuni dettagli significativi come, ad esempio, i titoli di coda e la parola "fine"). Il videogioco online, essendo un'attività sociale, favorisce maggiormente un utilizzo prolungato, soprattutto nei soggetti particolarmente predisposti. Le sessioni più prolungate sono condotte però dai cosiddetti "gold farmers", ossia dei veri e propri dipendenti che lavorano per società organizzate (di norma asiatiche), accumulando beni virtuali da vendere in cambio di denaro reale. Questo tipo di utilizzo del videogioco è chiaramente illecito e si colloca al di fuori delle intenzioni degli sviluppatori.

Come per ogni altro aspetto che riguarda il videogioco online, il concetto di durata può assumere molte più forme rispetto a quello tradizionale, ed è particolarmente soggetto a speculazioni di carattere sociologico e antropologico.

3. Grande schermo, piccolo schermo, schermo interattivo

Il videogioco a gettoni prevedeva brevi sessioni reiterate; il videogioco sviluppato per l'home entertainment procede in modo continuativo attraverso numerose sessioni, e dura nel complesso certamente più di un film, anche se in generale dura meno di una serie televisiva; il videogioco gestionale, simulativo, insieme ai mondi virtuali, nella quasi totalità dei casi non possiede una vera e propria fine, e la durata delle sessioni è soggetta ad ancora più variabili rispetto al videogioco tradizionale.

In termini economici un'ora di gioco costa in media meno di un'ora di cinema. Da questo punto di vista, è interessante notare come il costo di una grossa produzione videoludica è similare a quello di un cofanetto contenente una serie di episodi di un telefilm di recente uscita: il videogioco, all'interno del mercato dell'home entertainment, è quindi considerato un prodotto in grado di fornire molte ore di intrattenimento, al pari delle serie televisive.

Rispetto al grande e al piccolo schermo però, lo schermo interattivo non racconta necessariamente delle storie; non ha quindi bisogno di una storia per funzionare, ma di meccaniche ludiche che devono essere comprese dall'utente. Essendo l'utente fautore del proseguo degli eventi sullo schermo, ne risulta che la durata di un videogioco sia influenzata dalla performance e dalle scelte del giocatore. La durata di un videogioco è forse più simile alla durata di un romanzo: possiamo contare il numero delle pagine, così come in un videogioco possiamo contare gli stage o i livelli, ma la durata complessiva varierà a seconda di chi legge/videogioca.

In ultima analisi, riflettere sulla durata del videogioco ci aiuta a non perdere mai di vista la multiformità del medium in questione, che estremizzando non fornisce altro che un ambiente simulativo dalle dinamiche riconducibili ad esperienze reali.

Un film comico e un film drammatico possiedono molte più caratteristiche in comune rispetto a un beat'em up e un videogioco gestionale: le meccaniche di gioco sono il nucleo imprescindibile dell'attività videoludica, e ne condizionano fortemente sia la tipologia dell'esperienza che l'estensione della durata.

Mario Morandi
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Intervista: Il "caso" GTA

Sul Corriere del Ticino, Olivier Broggini discute di videogame, cultura e isteria mediatica con Matteo BIttanti. Il pretesto e', ancora una volta, Grand Theft Auto IV.

Ecco un estratto:

Broggini: Mi metto nei panni del genitore standard spesso raffigurato dai media: cosa mi risponde se le dico che mio figlio 13enne passa i suoi pomeriggi davanti a GTA IV, e che per questo io temo di vederlo presto gettare sassi da un cavalcavia?

Bittanti: In primo luogo, GTA IV si rivolge a un pubblico adulto e maggiorenne, come si evince chiaramente dall’indicazione PEGI sulla copertina e sul retrocopertina. Ovviamente, se un genitore ritiene che il figlio tredicenne sia sufficientemente maturo per comprendere il portato satirico di GTA IV, va benissimo: si tratta appunto di indicazioni al consumo, non di prescrizioni. Sarebbe utile, tuttavia, che certi videogiochi venissero fruiti in modo intelligente. Il videogame non e’ una baby sitter elettronica, ma una forma d’arte che si rivolge a pubblici differenziati. Un adulto dovrebbe svolgere la funzione di mentore e di guida nei confronti dei propri figli, contestualizzando alcuni aspetti grotteschi o ‘eccessivi’ di alcuni testi particolarmente pregni di significati. I videogame non sono differenti dal cinema, dalla televisione o dalla letteratura: in tutti i casi, un approccio critico e maturo e’ fondamentale per evitare corto-circuiti epistemologici. In merito al presunto effetto ‘transfer’ – la teoria secondo la quale la ripetizione di atti violenti in un contesto di simulazione provocherebbe alienazione, narcosi e desensibilizzazione in soggetti facilmente influenzabili, al punto da spingerli a ripetere atti analoghi nel ‘mondo reale’ e’ stata piu’ volte smentita sul campo. Inoltre, i fatto che a fronte di un consumo sempre piu’ intenso di videogiochi sia accompagnato da un calo generalizzato della violenza giovanile nelle nazioni tecnologicamente piu’ avanzate dovrebbe far pensare. A questo proposito, consiglio la lettura dell’ottimo saggio Grand Theft Childhood (2008) di Lawrence Kutner e Chryl Olson, che porta in primo piano le profonde contraddizioni sottese all’isteria mediatica di questi giorni.

Broggini: Mi sembra chiaro come lei non attribuisca ai videogiochi il potere di traviare le coscienze. È però vero che la raffinatezza tecnica sempre maggiore e il coinvolgimento diretto del fruitore sono una miscela molto potente: non a caso, le polemiche sui videogiochi violenti hanno vissuto un salto di qualità più o meno da un decennio, con lo sviluppo della grafica tridimensionale…

Bittanti: Mi chiedo allora perche’ l’opinione pubblica si dimostri apatica e indifferente di fronte a opere decisamente ambigue come i film di Eli Roth e Rob Zombie – o persino Funny Games di Micheal Haneke - o a romanzi come American Psycho di Bret Easton Ellis o Zombie di Joyce Carol Oates, reperibili facilmente in qualunque bookstore o mediastore. L’idea che l’interattivita’ renda il videogame piu’ ‘pericoloso’ di altri media e’ un’altra leggenda metropolitana priva di alcun riscontro scientifico. La storia dei media insegna che ogni nuova tecnologia e ogni nuova forma di comunicazione viene inizialmente demonizzata e ostracizzata. E’ successo al romanzo, ai fumetti, al cinema, alla musica rock e succedera’ ai media che emergeranno nei prossimi anni. Niente di nuovo.

Scarica l'allegato in PDF: Download PP GTA IV

Book: machinima

Apogeo Editore si appresta a pubblicare il primo volume dedicato al machinima in lingua italiana, scritto da Roberto Meggiato. Pubblichiamo di seguito il comunicato stampa:

Edito da Apogeo, è il primo libro dedicato al machinima, abbreviazione di "machine cinema" o di "machine animation", una nuova tecnica di film-making che utilizza l'ambiente 3D virtuale dei videogiochi per produrre filmati e animazioni.

"Sempre più spesso il cinema trae ispirazione dai videogiochi e viceversa. In questo caso, però, non si tratta di uno spunto per la trama. Grazie al machinima, infatti, è possibile utilizzare e modificare il motore grafico dei videogiochi più famosi per creare i set, i protagonisti e i costumi del proprio film. Anziché spendere soldi in attrezzature e software costosi, o perdere mesi lavorando in 3D con i software canonici per l'animazione tridimensionale, con questa metodologia di lavoro è possibile realizzare veri film completi che non hanno nulla da invidiare alle grandi produzioni hollywoodiane. Anzi, sempre più spesso i registi del grande schermo utilizzano il machinima; anche per realizzare i previz, simulando le scene più pericolose. Con Machinima, l’autore guida il lettore passo dopo passo nell'apprendimento dell’omonima tecnica: dalle basi fino ai trucchi e allo sviluppo di filmati professionali con i motori grafici dei videogiochi, come quelli di The Sims 2 e The Movies."

Per ulteriori informazioni su machinima, cliccate qui

Il machinima e' inoltre l'oggetto del saggio di Henry Lowood incluso in Schermi interattivi.

Recensiremo il volume nelle prossime settimane.

Link: Pagina ufficiale del volume

Evento: Cyborg Film Festival

Cyborg Film Festival (Anghiari, Arezzo 4 - 8 giugno 2008) [informazioni dettagliate]

Programma completo

Si apre oggi il Festival del cinema mutante e postumano. Il Cyborg Film Festival è una delle attività di Cyborg Produzioni che è al tempo stesso associazione culturale e impresa di produzioni diretta da Luisella Chiribini. L’Associazione è nata nel 2007 ed è stata fondata da creature Borg di Anghiari. Ringrazio l'instancabile Armando Adolgiso per la segnalazione. Sul suo sito potete trovare una serie di interessanti commenti sui film in proiezione e sulle permutazioni perturbanti del cinema contemporaneo.

Intervista a Luisella Chribini, organizzatrice del festival

Cyborg e Schermi interattivi

Cyborg Film Festival: Nuovi cieli e vecchi orizzonti

Rassegna stampa: Sergio Brancato su Schermi Interattivi

"[S]e è vero che intorno ai videogame si agglutina e definisce l’avvento di nuove soggettività e rinnovati processi identitari, il nesso persistente tra immaginazioni, tecniche, linguaggi del cinema e strategie dei videogame – ben indagato e confermato in quelli che risultano i saggi probabilmente più “utili” del volume – rivela qualcosa di più sul corpo del consumo, sulle evoluzioni di un pubblico che sposta sempre più in avanti il processo di specializzazione e “sovversività” semantica delle masse metropolitane per accedere – come in uno dei tipici salti di complessità dei videogame – a nuove piattaforme comunicative che riformulano integralmente il concetto di presenza nel mondo, riposizionando e manipolando all’estremo corpi, oggetti e sostanze dell’immaginario." (Sergio Brancato, Newsletter Italiana di Mediologia)

Leggi il testo integrale

Rassegna stampa